Joseph Beuys
Por Gabriela Camero
Biografía
Nació en Krefeld, Alemania, el 12 de mayo de 1921 y murió el 23 de enero de 1986, a la edad de sesenta y cinco años. Fue uno de los artistas alemanes más importantes del siglo XX: escultor, performancista, artista gráfico y teórico del arte.
En su juventud combatió en la Segunda Guerra Mundial. Su puesto era el de piloto, y como tal, colaboró en el bombardeo de Crimea. Aunque la veracidad de esta historia es discutible debido a sus contradicciones, él contaba que una vez se estrelló cerca de Znamianka, el 6 de marzo de 1944. Estando al borde de la muerte, unos nativos lo rescataron, envolviéndolo con grasa y fieltro para mantenerlo con vida. A palabras del propio artista: “Had it not been for the Tartars I would not be alive today.”
Este suceso fue definitivo para la actividad artística de Beuys, en especial explica su inclinación a utilizar el fieltro y la grasa como materiales primordiales en su obra.
Por ejemplo, Homogeneous Infiltration for Piano, escultura hecha en 1966.
Estudió escultura en la universidad de Düsseldorf, se graduó a los treinta y dos años. Sus primeras obras artísticas serían esculturas, antes de aventurarse en las acciones. Más adelante, en 1961, sería profesor de esta misma universidad.
En 1956 cae en una crisis depresiva, debido a su mala situación económica. Sin embargo, logra salir y seguir concentrado en sus proyectos artísticos. En 1958 inicia una serie de dibujos de la novela Ulises, de Joyce, hasta conseguir terminar seis libros.
Se casó en 1959, con Eva Wurmbach. Tuvieron dos hijos.
Sus obras fueron exhibidas en Venecia en el museo Bienal, en New York en Guggenheim Museum y en Tokio en el Museo de Arte Seibu.
Entre sus acciones se cuenta How to Explain Pictures to a Dead Hare y I Like America and America Likes Me.
Su arte
Concepción del arte
Beuys concebía al arte como inherente de cada individuo. Sin grandes pretensiones sobre el talento o el prodigio, sostenía que cada hombre es un artista capaz de crear grandes obras sólo con proponérselo.
Defiende que el arte es igual a la vida misma, que es tan efímero como el paso de cada persona sobre la tierra, por lo tanto el arte no debía ser duradero, al contrario: someterse a la misma tiranía del tiempo, vivir sólo unos instantes para morir para siempre. Y en su recuerdo está lo verdadero, lo natural, lo hermoso y lo sublime.
Estaba a favor de la creatividad en el arte, que no sólo debía dedicarse a las mismas tradiciones y concepciones de siempre. Esperaba que el arte cambiara, que nunca fuera el mismo. Por ello, el arte es como la vida. Llamaba a la creatividad “ciencia de la libertad”. Afirmaba que todo conocimiento humano procede del arte.
Beuys no buscaba que su arte fuera duradero.
En su juventud combatió en la Segunda Guerra Mundial. Su puesto era el de piloto, y como tal, colaboró en el bombardeo de Crimea. Aunque la veracidad de esta historia es discutible debido a sus contradicciones, él contaba que una vez se estrelló cerca de Znamianka, el 6 de marzo de 1944. Estando al borde de la muerte, unos nativos lo rescataron, envolviéndolo con grasa y fieltro para mantenerlo con vida. A palabras del propio artista: “Had it not been for the Tartars I would not be alive today.”
Este suceso fue definitivo para la actividad artística de Beuys, en especial explica su inclinación a utilizar el fieltro y la grasa como materiales primordiales en su obra.
Por ejemplo, Homogeneous Infiltration for Piano, escultura hecha en 1966. Estudió escultura en la universidad de Düsseldorf, se graduó a los treinta y dos años. Sus primeras obras artísticas serían esculturas, antes de aventurarse en las acciones. Más adelante, en 1961, sería profesor de esta misma universidad.
En 1956 cae en una crisis depresiva, debido a su mala situación económica. Sin embargo, logra salir y seguir concentrado en sus proyectos artísticos. En 1958 inicia una serie de dibujos de la novela Ulises, de Joyce, hasta conseguir terminar seis libros.
Se casó en 1959, con Eva Wurmbach. Tuvieron dos hijos.
Sus obras fueron exhibidas en Venecia en el museo Bienal, en New York en Guggenheim Museum y en Tokio en el Museo de Arte Seibu.
Entre sus acciones se cuenta How to Explain Pictures to a Dead Hare y I Like America and America Likes Me.
Su arte
Concepción del arte
Beuys concebía al arte como inherente de cada individuo. Sin grandes pretensiones sobre el talento o el prodigio, sostenía que cada hombre es un artista capaz de crear grandes obras sólo con proponérselo.
Defiende que el arte es igual a la vida misma, que es tan efímero como el paso de cada persona sobre la tierra, por lo tanto el arte no debía ser duradero, al contrario: someterse a la misma tiranía del tiempo, vivir sólo unos instantes para morir para siempre. Y en su recuerdo está lo verdadero, lo natural, lo hermoso y lo sublime.
Estaba a favor de la creatividad en el arte, que no sólo debía dedicarse a las mismas tradiciones y concepciones de siempre. Esperaba que el arte cambiara, que nunca fuera el mismo. Por ello, el arte es como la vida. Llamaba a la creatividad “ciencia de la libertad”. Afirmaba que todo conocimiento humano procede del arte.
Beuys no buscaba que su arte fuera duradero.
Performance
How to Explain Pictures to a Dead Hare
Cómo explicar cuadros a una liebre muerta
De qué trató
Al principio, Beuys cerró la entrada de la galería, dejando la vitrina como única posibilidad de observar el interior para los espectadores que se fueron congregando. Con la cabeza embadurnada de miel, procedió a explicar cuadros a una liebre muerta. Cuadro por cuadro, sin dejar de hablarle a la liebre como si estuviera dialogando entre sí, incluso llega a manejarla como títere. Duró tres horas.
Interpretación
La liebre tiene varias posibilidades de interpretación, como ser asociado con la suerte, como signo de fertilidad y también del amor. Y también significa resurrección. La miel está ligada al renacimiento, como símbolo germánico.
Beuys decía que “for me the Hare is a symbol of incarnation, which the hare really enacts- something a human can only do in imagination. It buries itself, building itself a dwelling and a grave in the earth. Thus it incarnates itself in the earth: that alone is important. So it seems to me. Honey on my head of course has to do with thought. While humans do not have the ability to produce honey, they do have the ability to think, to produce ideas. Therefor the stale and morbid nature of thought is once again made living. Honey is an undoubtedly living substance- human thoughts can also become alive. On the other hand intellectualizing can be deadly to thought: one can talk one's mind to death in politics or in academia.” (Lieberknecht, 1971, cited by Adriani / Konnertz / Thomas , 1984, P.155)
Por lo tanto, su acción significa el renacimiento del arte: nuevas formas innumerables de pensar, de entender, de crear. Vuelve a incidir sobre la amplitud del arte y su conexión con la vida.
Al principio, Beuys cerró la entrada de la galería, dejando la vitrina como única posibilidad de observar el interior para los espectadores que se fueron congregando. Con la cabeza embadurnada de miel, procedió a explicar cuadros a una liebre muerta. Cuadro por cuadro, sin dejar de hablarle a la liebre como si estuviera dialogando entre sí, incluso llega a manejarla como títere. Duró tres horas.
Interpretación
La liebre tiene varias posibilidades de interpretación, como ser asociado con la suerte, como signo de fertilidad y también del amor. Y también significa resurrección. La miel está ligada al renacimiento, como símbolo germánico.
Beuys decía que “for me the Hare is a symbol of incarnation, which the hare really enacts- something a human can only do in imagination. It buries itself, building itself a dwelling and a grave in the earth. Thus it incarnates itself in the earth: that alone is important. So it seems to me. Honey on my head of course has to do with thought. While humans do not have the ability to produce honey, they do have the ability to think, to produce ideas. Therefor the stale and morbid nature of thought is once again made living. Honey is an undoubtedly living substance- human thoughts can also become alive. On the other hand intellectualizing can be deadly to thought: one can talk one's mind to death in politics or in academia.” (Lieberknecht, 1971, cited by Adriani / Konnertz / Thomas , 1984, P.155)
Por lo tanto, su acción significa el renacimiento del arte: nuevas formas innumerables de pensar, de entender, de crear. Vuelve a incidir sobre la amplitud del arte y su conexión con la vida.
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